SOBRE EL ARTE CONTEMPORÁNEO:Ya que algunos se hacen estandarte del Arte contemporáneo en Jaén y apartan determinadas expresiones artísticas que se hacen en este momento y son también contemporáneas quisiera exponer en este foro lo que se dice desde Wikipedia sobre el ARTE CONTEMPORÁNEO, sólo para despertar inquietudes y opiniones desde aquí, que cada uno saque sus conclusiones y las exponga, estamos en tiempos de diálogo y de intercambios intelecuales, de aperturas, de romper ciertas manias egocéntricas y de Círculos artísticos que se miran el ombligo y se hacen sectarias en sus planteamimnetos, de Instituciones que premian y subvencionan a unos por ser contemporáneos según sus criterios y olvidar a otros por estar en tierra de nadie.AHÍ VA:El arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en un mismo lapso temporal a un referente. En el caso del arte contemporáneo a nosotros, se desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüistico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.Este tipo de prácticas se inician desde la obra de Marcel Duchamp (fuente 1917)
y sus cuestionamientos de la institución del arte. Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg teóricos como Roslind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que pusierón este pensamiento dentro del main stream internacional.ControversiaEl concepto mismo de arte contemporáneo genera controversia. Se suelen dar ejemplos salidos de grandes eventos como la Documenta de Kassel (quinquenal) , la Bienal de Venecia o la selección de obras en exposiciones de museos como los Guggenheim o el MOMA de Nueva York. En España se suele relacionar el arte contemporáneo con la feria ARCO. Esta visión del arte suele criticarse por ser demasiado sesgada, reduciendo las expresiones contemporáneas solamente a las surgidas del conceptualismo y minimalismo como grandes tendencias. En este tipo de arte se nota una progresiva radicalización en la búsqueda del impacto y sobre todo el impacto a través de los medios, con obras desagradables y muy polémicas como caballos disecados y colgados del techo, vacas en formol partidas por la mitad con todos sus órganos visibles y el caso reciente de un artista chino que pretendía comer un feto en directo en televisión. Esta radicalización en un intento extremo por perpetuar la originalidad y la novedad como motor del arte se denomina Shock Art, y tiene su origen en las acciones artísticas o performances de artistas de los años 60 como Joseph Beuys, Yves Klein o Piero Manzoni.La crítica a este estado de las cosas suelen provenir de ambientes artísticos más que de la prensa, y se basa en tres aspectos:Disminución de la exigencia técnica. Desde el fauvismo, el nivel técnico de los artistas no ha hecho sino bajar con cada avance en originalidad o novedad. En el caso de las tendencias contemporáneas hay un verdadero desprecio por la propia importancia del elemento técnico, habiendo textos conocidos incluso que desprestigian el oficio, igualándolo al virtuosismo. En muchos casos los artistas son meramente directores y el trabajo gráfico lo realizan artesanos u operarios. Hay artistas, como David Hockney, que reivindican el dibujo y el conocimiento de la técnica por ser un elemento fundamental de la profesión artística. Esto ha sido criticado ya hace tiempo por historiadores como Gombrich. Movimientos artísticos radicales como el nuevo academicismo norteamericano de [Artrenewal] suponen el extremo contrario. Oficialismo. El arte contemporáneo usualmente entendido como tal es enseñado en academias, facultades de Bellas Artes, editado en lujosas ediciones, expuesto en museos, comprado por gobiernos nacionales y regionales, subvencionado por estos gobiernos, ayuntamientos y hasta codiciado por bancos, empresas y coleccionistas privados. Es decir, es bendecido por la oficialidad, por las instituciones, como ocurrió en el siglo XIX con el arte académico. Según esta crítica el arte contemporáneo no es tal, sino sólo arte contemporáneo oficial y académico, dados sus compradores y que se imparte en la enseñanza reglada oficial (academia). Excesiva teoría. Aunque se presupone que este arte surge de una respuesta de los artistas a la imposibilidad de la originalidad, basta hojear catálogos de exposiciones, premios, recortes de prensa, etc, para ver que todavía se utiliza la originalidad y la novedad como rasero para los artistas. En cualquier caso hay un evidente divorcio entre estas formas de arte y el público, que apenas llega a comprender el impresionismo del siglo XIX. En general es necesario recurrir a la literatura especializada o muchas veces a los letreros con explicación que acompañan a las obras para que el grueso del público entienda lo que se expone. Hay una tendencia contrapuesta a la teoría de la postmodernidad que explica que en realidad estamos en un segundo manierismo, que en lugar de estar provocado por Miguel Ángel y el Renacimiento tiene como causa a Picasso y la Vanguardia. En todo caso se cuestiona el enfoque de teóricos como Marchán Fiz y otros. Artistas como Lucian Freud, Kitaj, David Hockney o Antonio López suponen una respuesta pintada a esta crisis.
Para un artista como Bernardo Ortiz (DIBUJO A LA IZQUERDA) este hecho es claro: “Más que establecer un hito que rompe entre pasado y presente se trata de buscar que en el arte contemporáneo lo que permanecía oculto tras el objeto, se haga más explícito. A veces son más importantes los procesos que ha tenido que seguir un artista para producir un resultado. Seguir esos procesos es la obra. Y el resultado es simplemente una consecuencia. En el arte tradicionalmente el dibujo era como el estado previo a la obra, a la pintura o a la escultura. De alguna manera esa historia que tiene el dibujo contiene la idea de proceso. El dibujo no necesita actualizarse mucho en este sentido. El dibujo tiene como implícita esa noción de proceso”.
